Le but ici est de renforcer les compétences techniques et créatives des étudiants, tout en développant leur capacité à structurer un morceau et à le terminer.

1. Structure et Arrangement d’un morceau :

• Création d’un arrangement plus complexe : Ajouter des transitions entre les sections (drop, build-up) et explorer la variation dans le temps.

• Découper un morceau en sections : Montrer comment diviser un morceau en parties distinctes et comment ajouter des éléments pour maintenir l’intérêt de l’auditeur (breakdowns, builds, etc.).

2. Kick/Bass (niveau poussé) :

• Utilisation avancée des effets sur le kick et la basse : Compression parallèle, sidechain, distorsion et saturation pour donner plus de caractère et de puissance aux kicks/basses.

• Création de grooves avec la basse : Enseigner à faire interagir la basse avec la batterie pour obtenir un groove solide et cohérent.

3. Comment finir un morceau :

• Les étapes finales de la production : Comment savoir quand un morceau est "terminé", et quelles étapes restent avant le mixage.

• Conseils pour affiner les détails : Les petites touches finales qui font la différence : ajout de détails, effets subtils, ajustements de volume.

4. Comment améliorer son Workflow :

• Organisation de projet dans Ableton : Comment structurer les pistes et groupes de pistes pour un projet plus fluide.

• Optimisation du temps : Utilisation des templates, des raccourcis, des macros et des racks pour accélérer la production.

• Préparation d’une session de travail : Structurer une session de travail pour maximiser la créativité sans perdre de temps sur les aspects techniques.

5. Enrichir nos éléments avec le Layering :

• Techniques de layering : Comment superposer différents sons (ex. : superposer des percussions pour créer un rythme plus dense, ou combiner plusieurs synthétiseurs pour un son plus large).

• Choisir les bons éléments à superposer : Comment éviter de surcharger le mix et utiliser des éléments complémentaires pour créer de la profondeur.

6. Découverte Mélodie et Harmonique :

• Introduction aux accords et aux gammes : Enseigner les bases de la théorie musicale appliquée à la musique électronique.

• Créer une progression harmonique simple : Apprendre à créer des progressions d'accords et des mélodies qui se complètent.

7. Identité sonore (commencer à trouver son identité) :

• Réflexion sur le style personnel : Encourager les étudiants à explorer différents genres pour découvrir ce qui résonne avec eux.

• Comment affiner son son unique : Utiliser des techniques de sound design ou des processus créatifs spécifiques pour faire ressortir une signature sonore.

8. Sound Design :

• Création de sons uniques : Comment créer des sons à partir de zéro (synthétiseurs, effets, samples).

• Manipulation des sons : Introduction aux techniques avancées de manipulation des sons existants (ex. : granular synthesis, effets de distorsion et de modulation).